Teatro japonês inspira uma nova ópera de texturas celestes

NOVA YORK – “O Noh é sem dúvida uma das maiores artes do mundo”, escreveu o poeta Ezra Pound em 1916, “e é possivelmente um dos mais recônditos”.

Ao longo do século XX, essa forma teatral tradicional japonesa passou de pouco conhecida a praticamente onipresente. Sua austeridade cênica, gestos simbólicos e drama ritualizado cativaram artistas. A longa lista de dramaturgos e compositores que buscam inspiração para Noh inclui Samuel Beckett, Harry Partch, Bertolt Brecht e Benjamin Britten.

E agora o compositor Kaija Saariaho e o diretor Peter Sellars. Sua colaboração mais recente, “Only the Sound Remains”, uma reinterpretação operacional da tradução de Pound de duas peças de Noh, chega para sua estréia americana no White Light Festival do Lincoln Center, em 17 e 18 de novembro.

Será uma espécie de regresso a casa. Saariaho descobriu a poesia de Pound em um apartamento que ela sublocou durante uma residência no Carnegie Hall em 2012. Dois anos depois, ela compôs uma grande parte da ópera na cidade.

“A linguagem de Pound é muito nova e surpreendente, porque, na verdade, ele não falava japonês”, disse ela em uma entrevista. “É a interpretação dele dessas histórias. E a maneira como ele está descrevendo os elementos naturais e a luz, e tem palavras como “cheiro de cor” – tudo tem relação direta com a minha música. ”

Ambos os atos que compõem o trabalho – “Sempre Forte” (originalmente “Tsunemasa”) e “Feather Mantle” (originalmente “Hagoromo”) – dramatizam os encontros com o mundo invisível. Em “Sempre forte”, um padre invoca o espírito infeliz de um jovem alaúde e realiza um serviço religioso usando o instrumento do fantasma. “Feather Mantle” retrata o argumento de um pescador e a eventual reconciliação com um tennin, ou anjo, cujo manto ele encontrou e pretende manter.

Saariaho conjurou sonoridades luminescentes e texturas etéreas de um conjunto de flauta, quarteto de cordas, percussão e kantele – um tipo de cítara finlandesa semelhante ao koto japonês, sua inclusão inspirada na descrição evocativa de Pound do alaúde em “Sempre forte”.

“As cordas baixas são como chuva; as pequenas cordas falam como um sussurro, um quarteto vocal canta delicadamente acima de cordas vibrantes e flautim, enquanto o kantele cria uma cascata sonora ressonante. O baixo-barítono Davone Tines representa os papéis humanos; o contramestre Philippe Jaroussky, sobrenatural. Em “Feather Mantle”, a manipulação eletrônica em tempo real faz a voz do anjo reverberar em fragmentos cristalinos.

Saariaho e Sellars colaboraram durante anos, mas a sua vez de Noh não foi uma escolha óbvia. Embora Sellars tivesse encenado “Hagoromo” nos anos 1980, e Saariaho definiu dois dos austeros “Cantos” de Pound em sua peça de câmara “Sombre”, seus trabalhos anteriores, como “L’Amour de Loin” e “La Passion de Simone”, focado em mulheres.

Enquanto procuravam por um novo assunto, Saariaho procurava algo completamente diferente, algo adequado para um conjunto íntimo de câmara com eletrônica. “Algo como um conto de fadas ou uma história tradicional”, disse ela. Sellars propôs textos indianos; Saariaho sentiu que eles não ressoavam com sua música. Mas quando chegaram às traduções do Pound Noh, parecia um jogo.

As traduções de Pound também aconteceram por meio da colaboração. Em 1913, ele adquiriu um esconderijo dos documentos de Ernest Fenollosa, um expatriado americano que havia realizado um estudo prolongado de Noh como acadêmico em Tóquio. Pound trabalhou ao lado de WB Yeats ao refinar as traduções ásperas, muitas vezes fragmentárias, de Fenollosa.

O que Pound descobriu em Noh refletiu de sua própria estética “imagista” em desenvolvimento: seletividade, alusão, a intensificação estática de uma única imagem que unifica cada peça. (Folhas de bordo vermelho e uma enxurrada de neve. Pinheiros. Um manto celestial de penas.)

O que ele sentia falta eram as sutilezas religiosas das peças, suas referências ao budismo e ao xintoísmo. Críticos e estudiosos acusaram-no de mal-entendidos, imprecisões e omissões. Apesar dessas falhas, Sellars vê o trabalho de Pound e a mais ampla fermentação artística do modernismo do início do século XX como transformadora.

“Pound e Yeats estão inventando o teatro do século 20 no processo de total mal-entendido cultural”, disse ele em uma entrevista. “Estranhamente, eles estão errando é o caminho para algum tipo de novo direito.”

Tanto ele como Saariaho enfatizam que sua pedra de toque é tanto Pound quanto Noh, se não mais. “Não estamos de maneira alguma imitando a performance japonesa Noh”, disse Sellars. “Estamos recontextualizando isso no sentido moderno de que a tradução de Pound é, para usar sua bela frase, ‘um filme de um sonho’.”

Ausente as máscaras, gestos e outros recursos do Noh tradicional, no entanto, a peça representa um desafio para artistas e audiências. “Se você pensar no clássico Noh,” disse Saariaho, “não há tanto acontecendo no palco”.

Isso é ideal para a música translúcida de Saariaho, disse Susan McClary, musicologista e autora do livro “As paixões de Peter Sellars: encenando a música”.

“Os movimentos no palco são muito lentos e não se moldam ao enredo”, disse McClary. “Então você é jogado de volta na música. Se você puder se entregar a essa música, é uma experiência mágica do tipo que os mortais estão tendo na ópera.”

Após sua estreia em Amsterdã, em 2016, Sellars revisou e reformulou sua produção. A peça finalmente se estabeleceu, disse ele, durante uma corrida em Paris. “Os fantasmas do Palais Garnier estavam conosco”, lembrou-se da casa de ópera ornamentada da cidade. “Você podia sentir Stravinsky e Massine e Benois e Picasso e todas aquelas pessoas na sala conosco. Realizar essa música naquele lugar em um palco vazio com os fantasmas era avassalador.

Essa interação entre seres humanos e fantasmas aponta para o que McClary identificou como um elemento unificador da carreira de Sellars. “Todo o trabalho de Pedro”, ela disse, “mostra um interesse por essa experiência mística do amor divino, onde pode haver esse encontro direto entre o mundo mortal e o mundo espiritual”.

Em “Feather Mantle”, o encontro culmina com o anjo, cantado por Jaroussky, mas dançado por Nora Kimball-Mentzos, ensinando ao pescador uma dança destinada a aliviar as tristezas da humanidade em troca do retorno de sua capa. Essa conclusão, sugeriu Sellars, tem uma ressonância especial agora.

“Em um período em que o mundo está em um estado tão extremo de raiva, mágoa e ausência de ternura”, disse ele, “o que significa terminar uma peça com uma experiência prolongada de alegria?”

Informação do Evento:

“Apenas o som permanece”

17 e 18 de novembro no Rose Theatre em Jazz no Lincoln Center, em Manhattan; lincolncenter.org.

Fonte: Asahi Shimbun